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               Bien que tabou et dégoûtant, le trope du cannibale dans le cinéma et la littérature n'est pas une nouvelle figure de la littérature, de l'art et du cinéma occidentaux. Une figure qui suscite la peur aux yeux du publique, le cannibale a été « ... un monstre mutable, une figure qui change et se développe à travers les siècles et peut être utilisée différemment par différents groupes » pour inspirer la peur, comme écrit par Jennifer Brown dans son livre sur le cannibalisme dans le film et la littérature. Brown continue d'écrire après cela que, tandis que choquant et horrifiant, l'image du cannibale « ... est une métaphore qui est utilisée pour parler de différentes peurs ... », et elle déclare qu’il « … démontre des continuités dans notre compréhension culturelle de ces peurs »[1]. Alors que nous continuons notre voyage dans une ère où les conceptions traditionalistes du genre et de la sexualité prévalent au sein d'une économie de consommation, le genre du cinéma du corps a introduit un dialogue intellectuel entre le désir, l'autonomie et la société. Claire Denis parvient de créer un film qui explore comment ces thèmes interagit avec la violence sexuelle à travers l’utilisation de la figure du cannibale. Cet essai examinera comment Denis a implémenté la texture, la lumière et la couleur et le son afin de créer une déclaration sur la dynamique de pouvoir dans les relations sexuelles, amoureuses et le désir charnel qui vient comme seconde nature dans l'humanité.

               En tant que l'un des premiers films avec succès dans son genre de « cinéma du corps », Trouble Every Day par Claire Denis est un œuvre de texture exemplaire dans le cinéma française. Selon Laura Mulvey, auteure de Visual Pleasure and Narrative Cinema, le fait que le cinéma guide le regard des spectateurs pour raconter une histoire crée un  

« sentiment de séparation et joue sur leur fantasme voyeuriste »[2]. Prenant note de cela, les techniques utilisées par Denis pour transmettre la texture à travers les médias limités du film, un art purement visuel, démontrent la capacité du réalisateur Denis à objectiver davantage le corps humain et à manipuler le spectateur pour créer un expérience intime à travers leurs yeux qui transcende la réalité visuelle qu’est perçu. Ainsi, Denis parvient à jouer avec la séparation qui existe entre l'écran et les spectateurs. Donc, l’implémentation de la texture dans ce film est un des aspects les plus importance parce qu’il serve comme un lien entre l’imagination, l’origine du désir, et l’intimité en relation avec le corps physique.

               Par exemple, une des scènes les plus caractéristiques du film est celle remplie d'un gros plan du voleur que Coré a séduit. En utilisant des techniques comme voyager en plus du très gros plan, Denis manipule l'image et rend abstrait le corps humain. Lorsque le spectateur regarde cela, ce n'est plus le corps qui a été reconnu par un personnage mineur. Au lieu de cela, il devient une collection d'imperfections de la peau, les cheveux, des bosselages et des rainures aussi. Malgré le fait que le spectateur vit le film à travers les sens de la vue et du son, les techniques que Denis a utilisé dans Trouble Every Day lui permet de créer une image topographique du corps humain, détachée de l'idée d'un propriétaire. De plus, elle établit aussi que le public regarde le corps de l'homme non pas d'un point de vue physiquement séparé, comme des yeux et du psychisme de Coré, mais plutôt du point de vue de sa main, imitant ainsi la façon dont une main courte sur le corps d'un autre dans le désir.

               De plus, l'utilisation de la texture de Denis dans le film crée des images contrastées des frontières sociales et des attentes de sexe et du corps qui vont à l'encontre du désir animal et agissent pour accomplir des désirs. Comme Tim Palmer le décrit dans son article Style and Sensation in the Contemporary French Cinema of the Body, Denis crée des espaces de stérilité et d'hygiène très différents de ceux du sang séché et de la chair déchirée, ce qui est l'une des raisons pour lesquelles le film a été accueilli avec des réactions aussi choquantes[3].

               Par exemple, comme le film suit la lutte de Shane pour contrôler son appétit cannibale et sexuel, il achète un chiot pour juin, sa femme. Des indices visuels, tels que la fourrure et le papier déchiqueté pour la cage, sont fournis pour relayer la tendresse et la fragilité non seulement de cet animal nouveau-né et compagnon, mais aussi pour démontrer pourquoi on craint le mélange d'amour et d'intimité.

               En plus, Denis utilise la texture dans les espaces négatifs du film pour démontrer que la société crée des fossés entre les pulsions sexuelles animales qui sont contrôlées pour s'intégrer dans l'archétype de l'amour domestique. Les scènes de laboratoire fournissent le cadre de référence idéal pour clarifier cet aspect des intentions de Denis. Alors que Shane essaie de comprendre et de guérir ces pulsions cannibalesques qui menacent de blesser celui qu'il aime, il cherche des réponses scientifiques et médicales. Des images telles comme les cerveaux qui sont en utilises pour le recherche ainsi que la chaire du film quand Shane se souvient de sa conversation avec la scientifique, à introduire des commentaires sur la division humaine créer entre les désirs innés qui peuvent déchirer le tissu d'une réalité sociale confortable.

               Quoique seulement l'utilisation de la texture puisse être un aspect autonome pour relayer le message du Trouble Every Day ainsi qu'un point d'analyse principal, on ne peut nier que la capacité de Denis à l'accompagner avec le son l'amène à un nouveau niveau des extrêmes vus dans le film. Alors que le film est presque dépourvu de dialogue, les conversations entre les personnages se produisent assez rarement, le film n'est pas réellement silencieux. En fait, il y a une abstraction constante du son qui est présent tout le temps. Pour instance, la scène dans laquelle Shane imagine June mouillée avec beaucoup du sang est accompagné avec les sons d’avion. La scène, qui utilise des techniques de mouvement de caméra telles que le zoom, le panoramique sur le corps et la cadrage tremblement n'est pas vraiment séparé du contexte réel et physique dans lequel Shane se trouve, luttant pour contrôler son désir qu’il a pour l'amour de sa vie.

               Bien que le son abstrait comme le vent dans le film démontre la connexion entre l'imagination et désir charnel avec le contexte vrai et physique-pour représenter les conséquences des désirs hors de la fantaisie-il est important aussi de noter qu'il y a des sons abstraits du corps. En fait, alors que les spectateurs n'entendent pas beaucoup de dialogues des personnages, ils peuvent entendre constamment les souffles, les cris et les sons créés par les baisers des bouches tout au long du film. Cela est évident dans la rencontre entre Coré et le voleur, une scène qui dépeint la menace de lâcher des inhibitions que la rencontre sexuelle passe de plaisir et agréable à douloureux et macabre. De cette façon, Dennis supprime l'idéalisation et l'hygiénisation du corps humain, le dépeignant de manière observatrice et trop réelle. À son tour, le public est mis au défi car non seulement ils regardent des actes intimes gâtés par la violence sexuelle, mais ils les entendent aussi, créant ainsi une expérience immersive au sein des désirs.

               De plus, Denis utilise aussi le son pour décrire l'interaction et la relation au corps et à la réalité physique. Par exemple, après les deux meurtres que Coré a commis, le spectateur remarquera quelques cadrages dans le film de l'herbe sèche et des branches d'arbres, parfois tachés avec le sang des victimes de Coré. Aussi simple que cela puisse paraître, le gros plan   sur la matière végétale sèche pendant les séquelles d’un évènement violent et sexuel créent un malaise dans le public que les sons des traces de Leon touchant le sol peuvent être entendus. Cette interaction et cette dynamique des corps humains et de leur environnement, portées à la réalité par l'utilisation du son, suggèrent presque que ce type d'histoire ne soit pas trop éloigné de la vérité de l’audience.

               Comme on l'a vu jusqu'à présent, il est clair que le film Trouble Every Day de Claire Denis est un chef-d'œuvre qui fait grand usage de repères visuels pour relayer la texture et le son. Néanmoins, on ne peut nier l'utilisation de la couleur et de la lumière mise en œuvre par Denis, qui crée une palette de couleurs qui clarifie les thèmes analysés ainsi que les émotions qui leur sont attachées afin d'encourager le dialogue sur le désir sexuel, l’amour, société et l’autonomie dur ces désirs. L'analyse de la lumière et de la couleur dans le film Trouble Every Day de Denis est importante car, selon beaucoup de études de recherches scientifiques[4][5][6], la couleur peut avoir un effet symbolique susceptible d'altérer la perception d'une image en même temps de susciter une réponse physiologique dans le corps humain. Et bien sûr, la couleur ne peut exister sans manipulation de la lumière.

               Comme on regarde comment l’intrigue se développer à travers Trouble Every Day, la palette de couleurs utilisée par Denis est discernable. Alors que le film est généralement dominé par le blanc, le rouge et le noir, l'utilisation de brun-orange brûlé ainsi que de roses et des lilas contribue à l’état d’esprit et aussi aux réactions des deux personnages et du public comme des idées contrastantes sont juxtaposées.

               Il est clair que la fonction de couleurs douces, de pastels et de blancs dans Trouble Every Day fait allusion à la pureté, à la tendre et à l'immaculée. Denis, bien sûr, parvient à mélanger les couleurs avec d'autres éléments de style, tels que la texture et le son susmentionnés. Il y a plusieurs cas dans le film où il y a gros plan d'un cou ou d'une main, principalement la main de June et la servante de l'hôtel, qui font clairement allusion à la fragilité du corps humain en réaction aux envies de désir des cannibales dans le film est poussé à s'accomplir, apparemment contre leur volonté. De plus, l'utilisation des blancs et des couleurs claires est utilisée lorsque June aide la femme de chambre à faire le lit, faisant allusion à un sentiment de tranquillité et de confort, ce qui peut être réalisé par le mariage. En addition, c'est à travers l'utilisation de la couleur que Denis sépare la sphère de l'amour dans les limites des normes sociales et de la compagnie humaine sans désir sexuel. Ainsi, Denis crée un monde épargné par le danger macabre de la consommation sexuelle, un monde propre, confortable et facile à comprendre. Par conséquent, alors que la caméra encadre les marques de dents de Shane sur la douce peau blanche de juin enveloppée de serviettes blanches, elle représente la menace lorsque cette sérénité compréhensible est touchée par l'animal inné qui cherche à satisfaire sa faim chez les humains.

               En plus, l'implémentation de la lumière pour créer les noirs et les nuances de rouge - faisant souvent allusion au sang - crée une autre sphère habitée par le désir naturel, toujours contrôlé, de sexe, de domination et de carnage. Pour comprendre cela, on peut regarder les images contrastées de la chambre d'hôtel où séjournent June et Shane par rapport à la pièce dans laquelle Coré est emprisonnée. Alors que la chambre d'hôtel est claire et lumineuse, la pièce dans laquelle Coré vit est dominé par les rouges, les sombres et les couleurs chaudes. D'une part, cet usage de la couleur et de la lumière apporte un sens de la sensualité et de la sexualité. Plus important encore, Coré, dont le désir incontrôlé l'a consommée au sens figuré, vit dans un monde d'ombre et d'obscurité. Ainsi, elle est utilisée comme une incarnation de ce désir incontrôlé, essayant de sortir de l'intérieur où elle se cache et d'agir sauvagement à l'extérieur.

               D'un autre côté, Denis utilise d'autres couleurs, comme les roses et les lilas qui évoquent le romantisme. Bien que ces éléments soient essentiels à l'intrigue, la présence de brun-orange peut être observée lorsque Coré tue sa victime dans les champs d'herbe séchée ainsi que la scène de sa mort, après que Shane la tue et son corps et consommée par le feu. Tout en faisant allusion aux aspects non purs du monde charnel du désir sexuel et de la peur de l'intimité, il est pertinent de réaliser que Denis a mis en œuvre ces couleurs pour représenter la consomption littérale et métaphorique de l'instinct animal humain qui est surexprimé intimité impossible et égalitaire avec leurs partenaires.

               Alors que tous les éléments discutés dans cet essai peuvent servir de preuve pour le message plus profond dans Trouble Every Day, il faut reconnaître que l'interaction entre eux est essentielle dans la création d'une expérience immersive dérangeante qui tire sur les sens et les émotions des spectateurs dans plusieurs directions. A son tour, Trouble Every Day est un film qui écho aux paroles de Jennifer Brown, quand elle écrit que « le sexe et l'amour, avec tout le reste, sont devenus des produits disponibles pour la consommation. »[7]. Par conséquent, cela crée une lutte pour apprivoiser les désirs intérieurs et les impulses animales dans un « monde trop civilisé »[8] qui dicte les actions, les désirs et même les besoins des gens afin de créer un fossé entre l'humanité et le monde animal. De plus, les peurs d’abandonner le plaisir ou le confort dans les sphères intérieures du désir pour s'intégrer civilement et l'autre pour se délecter du plaisir mondain et sensoriel dans la société et les humains est parfaitement représentée grâce aux choix cinématographiques et stylistiques de Claire Denis dans Trouble Every Day. Comment mentionne par Tim Palmer dans Style and Sensation in the Contemporary of French Cinema and Body, Dennis est un pionnier du genre très critiqué « cinéma du corps », dans laquelle elle crée « un cinéma hybride » qui mélange « … l'intellectualisme de haute-art avec l'horreur corporelle de basse-art ... » pour « Explorer la sexualité et la physicalité des extrêmes fascinants ... »[9] dans le film Trouble Every Day.

 

 

 

 

Citations

"Brutal Intimacy: Analyzing Contemporary French Cinema (Web Exclusive)." Cineaste Magazine. Accessed April 29, 2018. https://www.cineaste.com/winter2011/brutal-intimacy-analyzing-contemporary-french-cinema-and-the-new-extremism-in-cinema-web-exclusive/.

"The Psychology Of Color In Logo Design." The Logo Company. March 06, 2018. Accessed April 30, 2018. https://thelogocompany.net/blog/infographics/psychology-color-logo-design/.

Brown, Jennifer. Cannibalism in Literature and Film. Basingstoke: Palgrave Macmillan, 2013.

Kaiser, Peter K. "Physiological Response to Color: A Critical Review." Color Research & Application9, no. 1 (1984): 29-36.

Labrecque, Lauren I., and George R. Milne. "Exciting Red and Competent Blue: The Importance of Color in Marketing." Journal of the Academy of Marketing Science40, no. 5 (2011): 711-27.

Mulvey, Laura. "Visual Pleasure and Narrative Cinema." Visual and Other Pleasures, 1989, 14-26.

Palmer, Tim. "Style and Sensation in the Contemporary French Cinema of the Body." Journal of Film and Video8, no. 3 (2006): 22-32.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

[1] Jennifer Brown, Cannibalism in Literature and Film, (2013.), Introduction.

[2] Mulvey, Laura. "Visual Pleasure and Narrative Cinema.". 1989, 16.

 

[3] Palmer, Tim. "Style and Sensation in the Contemporary French Cinema of the Body." Journal of Film and Video8, no. 3 (2006): 22-32.

 

[4] Peter Kaiser, "Physiological Response to Color: A Critical Review."  (1984): 29-36.

[5] Lauren Labrecque and George R. Milne, "Exciting Red and Competent Blue: The Importance of Color in Marketing." (2011): 711-27.

[6] The Logo Company, “The Psychology Of Color In Logo Design."

 

[7] Brown, Cannibalism in Literature and Film, 192

[8] Brown, Cannibalism in Literature and Film, 7

[9] Palmer, “Style and Sensation in the Contemporary French Cinema of the Body.”